Сатурация – новое рождение
Набирающая все большую популярность сатурация — это хороший инструмент, чтобы добавить красок в микс, но самая полезная «фишка» сатурации — способность создавать текстурные, интересные звуки, которые непременно привлекут внимание слушателя.
Немного истории
Раньше, когда ламповые и ленточные микрофоны посылали сигнал на ламповые предусилители, а затем на ламповые лимитеры, перед тем, как попасть на аналоговую микшерную консоль и только потом на ленту, сатурация была не просто вездесуща – она была неизбежна.
Все указанные выше лампы и трансформаторы в составе звукового тракта создавали выраженные эффекты в звуках, которые проходили через них, не говоря уже об эффекте самой ленты. При этом транзиенты (сверхбыстрые всплески энергии в начале каждого звука) понемногу смягчались на каждом этапе звукового тракта, становясь более плавными и мягкими.
Округление/смягчение транзиентов и является одной из основных причин, почему звуки, которые прошли через множество аналоговых наборов, лучше ведут себя в миксе.
Раньше, чтобы сигналы были громче, чем шум и шипение аналоговой аппаратуры, инженеры имели тенденцию работать на высоких уровнях звука, что доводило лампы и трансформаторы до их пределов. Каков был результат? Из глубины каждой ноты и обертона в оригинальном звуке поднимались новые частоты в виде гармонических искажений. Вспомним законы физики — чем сложнее цепь, тем сильнее искажения.
Называются эти обертоны гармоническими искажениями по одной причине: они гармонически, то есть музыкально, связаны с оригинальными нотами и обертонами в неискаженном звуке. Люди склонны описывать такие звуки, как богатые или теплые. Не случайно, те же самые слова используют производители плагинов и аппаратных средств в попытке разжечь в сердцах потребителей желание приобрести их продукцию.
Таким образом, влияние двух вышеупомянутых эффектов – смягчения транзиентов и гармонических искажений, приводит нас к явлению, которое лежит в основе художественной и звуковой жизни многих звукоинженеров – сатурации.
Сатурация возвращается в моду
Если раньше насыщение было неизбежным, то теперь, когда цифра захватила мир продакшена, оно стало приобретать все большее значение, и используется для добавления яркости звукам в миксе. Никогда прежде не было такого множества стилей насыщения как в аналоговой, так и в цифровой областях.
Смотря на лавину плагинов, сошедшую за последние несколько лет, можно заметить, что насыщение – основная их функция.
Поэтому, в большинстве обзоров новых девайсаов вы увидите информацию о том, как красиво этот прибор «красит» звук. В девяти случаях из десяти, когда люди говорят о теплоте и окрашенности, просто пропустив звук через «железо», они говорят о насыщении, которое возникает в результате прохождения через звуковой тракт.
Однако насыщение не является панацей от всех бед, есть инженеры, которые считают присутствие сатурации нежелательным и даже раздражающим.
Зачем все это нужно
Зачем вообще заморачиваться? Как вся эта суета с небольшим количеством искажений помогает в чем-то? Давайте разберемся.
Начнем с того, что эквалайзер буквально имеет больше звука для захвата в пределах определенного диапазона частот. Поэтому если вы хотите усилить разборчивость вокала в миксе, увеличив 1 кГц, у вокала появится больше «характера», потому что сам звук станет более плотным и ярким. Это довольно тонкая вещь, которая при сложении 16 или 83 дорожек в миксе создает нечто гораздо большее, чем простую сумму частей.
Далее, в танцевальной музыке, которая основана на резких взрывных звуках для эмоционального воздействия (тот же кик или снейр), сатурация может помочь сделать эти звуки более плотными. А естественный срез транзиентов на первых долях звуков даст компрессорам больше пространства для «дыхания», что позволит лучше контролировать сигнал. Особенно это заметно на звуках с быстрой атакой, и это не только барабаны. Под этими звуками имеются ввиду короткие аккорды, арпеджио, бас линии, струнные щипковые инструменты и вообще любой резкий звук, где начало звука имеет гораздо большую амплитуду, чем сустейн (если он вообще есть).
Проще говоря, если у звука, который вы направляете в компрессор с резкими настройками, уже сглажены транзиенты, устройству не придется обрабатывать множество не пропорциональных объему энергии мгновенных импульсов, которую компрессор пытается контролировать.
Наибольшие неудобства эта проблема приносит при использовании компрессоров VCA/FET или vari-mu типов. Применяя компрессию в звуке с мощным транзиентом, вы можете получить такую степень атаки, от которой будут уставать уши, а поскольку она не пропорциональна остальному звуку, то фактически уменьшает влияние звука как физически, так и эмоционально.
Этот эффект может сыграть с вами злую шутку особенно на барабанных партиях, где добавление компрессии иногда может вызывать эффект уменьшения звукового влияния в миксе.
Насыщение звука перед компрессированием решит эту проблему, так как уменьшит чрезмерную начальную атаку, перераспределив большую часть этой энергии по всему звуку, а насыщение звука после сжатия позволит придать еще больший окрас.
Дисторшн для ясности и панча
Дисторшн и сатурация часто являются недооцененными и неиспользуемыми инструментами в арсенале микшера. Они не только улучшают и создают новые текстуры в источнике, но и позволяют точнее контролировать транзиенты. Это может оказать мощное влияние на общую ясность и панч микса, что и отличает треки, в которых звуки просто сидят на краю динамиков от тех, в которых звуки буквально выпрыгивают из них.
Только тогда, когда вы будете использовать эти инструменты, вы сможете создавать текстурно интересные звуки, которые будут «выпрыгивать» из динамиков и захватывать внимание людей.
Статья из журнала Attack Magazine, преведена и адаптирована DJ—Store.
Источник: www.dj-store.ru
Следующую свою статью я бы хотел посвятить такому понятию, как сатурация звука.
Суть состоит в том, что когда-то звукозапись, точнее ее техника, носила аналоговый характер. Позже, с развитием технологий, мы получили так называемую «цифру». Это самое цифровое звучание сделало звук более прозрачным. Звуковая волна теперь записывалась без различного рода посторонних шумов, без искажений, которые добавляли аналоговые приборы. В этом и состояла суть проблемы, таким образом, звук потерял свою «живость» или как еще не редко выражаются, «шумность».
Для того чтобы добавить звуку объемности и насыщенности, нужно было прогнать его через ревербератор. Все бы хорошо, но далеко не у всех имеется нужная сумма на хороший реверб. Или на иное подобное «железо». Тут выбор невелик: либо копить, либо использовать специально предназначенные для этого vst плагины, которые еще называются сатураторами. Именно за счет работы этих плагинов происходит обогащение звука гармониками, делающих звук более объемным. При сведении и написании трека сатурация используется крайне часто, это факт.
Сатурация делится на 3 вида.
—Ламповая.
Используя ламповую сатурацию, можно добиться достаточно высоких результатов, это подтверждено годами. В качестве примера могу привести хороший ламповый сатуратор
Wave arts tube saturator 1.0
Трансформаторная.
Трансформатор обрабатывает звук, и на выходе мы получаем довольно хорошую обработку. Такой способ встречается реже, но тем не менее также достаточно эффективен в работе с вашим миксом. В качестве примера рекомендую «Tessla pro».
-Магнитно-ленточная сатурация.
Насчет этой обработки звука информации не так много, но по сути это такой вид сатурации, который приводит звучание в пленочную составляющую. «Decapitator» отличный плагин, который можно использовать для такого вида обработки
Чтобы получить более «утепленный» звук для ваших работ, я бы посоветовал вам попробовать обрабатывать звук с помощью сатураторов.
Надеюсь, тем, кто не очень ориентировался в данной теме, теперь будет хотя бы немного легче.
Источник: beatmaker.tv
Сатурация часто вызывает недопонимание. Иногда это обусловлено возникновением эффекта перегруза, который наблюдается в большинстве случаев использования плагина.
Это не совсем справедливо, ведь сатурация при правильном использовании позволяет придать «аналоговое» звучание миксу.
Большая часть плагинов сатурации достаточно просты в использовании, но самое важное в использовании эффекта это понять принцип его работы. Давайте рассмотрим процесс в деталях и проанализируем несколько примеров.
Шаг 1. Что представляет собой сатурация?
Насыщением (сатурацией) называется процесс, исходящий из аналоговой области звука. Звукоинженеры, используя магнитную ленту и высокие уровни записи, получали сжатие определенного типа, именуемое ленточной сатурацией.
При проигрывании ленты таким путем, уровень звука доходил до 0 децибел (а в некоторых случаях и превышал этот показатель) и клиппировал, что называлось «мягким клиппингом». В результате наблюдался небольшой перегруз сигнала, отражающий натуральную компрессию и характеристики ограничения звука. Это использовалось инженерами в качестве инструмента в определенных элементах микса.
В цифровых системах, как правило, все более строго с тем, что превышает отметку в 0 децибел. Это считается жестким ограничением. Всё, выходящее за эти пределы, приводит к возникновению искажений. Безусловно, это не проблема для современных DAW и устройств, поскольку во многих из них реализован алгоритм мягкого лимитирования на мастер-шине.
Поэтому вам не стоит опасаться больших проблем, если вы не расслышите небольшое превышение уровня звука в приложении Logic, Cubase или Reason.
В таких случаях программное усечение сигнала предпочтительней, чем цифровые искажения, однако оно не создает требуемого нам эффекта. Если мы хотим получить классический эффект сатурации, нам нужно воспользоваться специальным плагином или аппаратным устройством. Разумеется, их можно просто купить, но давайте поэкспериментируем с цифровыми решениями.
Шаг 2. Насыщение ударных
Насыщение можно использовать при любой комбинации инструментов, однако настоящий эффект оно обеспечивает на специфичных вещах, к примеру, на барабанах.
Великолепное исполнение партии ударных, которое было записано через предусилитель в 24-х битную DAW, может иметь хорошее звучание, но иногда микс может нуждаться в «мясе» и «зернистости»: насыщение может сработать, не окрашивая и не изменяя в сильной степени оригинальную партию.
Принцип работы большей части плагинов весьма прост. Как только вы уловите суть процесса насыщения, вы поймете, когда, где и в какой мере его использовать. В идеале нам нужно отыскать баланс между насыщенным звуком и чистыми элементами с более слабой окраской.
Разумеется, эффект сатурации можно применить для всего микса, но только при необходимости получить звучание аналоговой ленты.
Для демонстрации я воспользовался отличным плагином URS Saturation на части записи акустического барабана с разными параметрами. Надеюсь, вы поймете, что можно делать с помощью разных слоев сатурации. Здесь я использую модель предусилителя Tube с применением около 30 %, которая следует за пленочной моделью около 100 %.
Ударные с сатурацией URS Tape
Любая форма сатурации добавляет звуку гармоники. Кроме того, она способствует поднятию уровня громкости до уровня натуральной компрессии. Совокупность этих эффектов позволяет сделать звук более жирным или теплым, в результате появляется ощущение, можно сказать, аналогового звучания. Как бы это не называлось, оно работает в данных двух примерах.
В этом примере я использовал самые разные плагины, начиная от высокого уровня и заканчивая плагинами уровня встроенных в DAW. Я верю, что в некоторых интересных бесплатных плагинах реализованы отличные функции, поэтому если знаете соответствующие ссылки, делитесь.
Шаг 3. Разогрев партии синтезаторов
Еще одним отличным способом использования плагинов сатурации является их применение к партии синтезатора. Звучание виртуальных аналоговых приборов можно приблизить к более реальным, большинство звуков при этом будут более качественными.
В этом примере плагин SPL TwinTubes применяется к одному из встроенных в Logic Pro звуковых фрагментов. В результате обработки данным плагином получаются действительно удивительные звуки, и вам может показаться, что слушаете вы железное оборудование. Я почти не использую гармонические параметры и просто настроил достаточный объем насыщения.
Конечным результатом является неотчетливый, громкий синтезатор, характеризующийся ретро-звучанием. К этому стремится большая часть любителей синтезаторов, и это зачастую проблематично получить при использовании программных синтезаторов без обработки.
Шаг 4. Применение на вокале
Поразительно, но хорошая степень насыщения придает более выгодное звучание даже записям вокальных партий. Чтобы обосновать это, я использовал плагин Bitcrusher, встроенный в Logic, для получения аналогичного эффекта.
Выключив параметр «Bitcrushing», поставив параметр «Resolution» на максимум и контролируя параметр «Drive», мы присоединяем мягкий оттенок перегруза и насыщения.
Источник: www.master-skills.ru
Все люди связанные с музыкой не раз слышали, что мол, лампа — это дико true, а все эти ваши транзисторы — полная лажа. Но, в личных разговорах, мало кто мог мне пояснить, каким же образом ламповая обработка делает звук «теплым», «ламповым». Ну давайте попробуем разобраться, в чем же тут суть.
А суть простая — когда цифра вошла в музыкальную индустрию и начала медленно, но верно вытеснять дорогостоящие ламповые приборы, то звукорежиссеры(музыканты, слушатели), заметили, что звук становится слишком «стерильным», и вообще каким то не таким. Волна была абсолютна идентична записываемому инструменту. Лампа же вносила небольшие искажения в звук выдавая тот самый легендарный «ламповый» звук. Она его немного «подгружала», добавляя небольшие искажения. И вот тогда, звукорежиссеры, которые еще не успели на тот момент продать свои ламповые усилители достали их с полочки, и стали пропускать аналоговый сигнал через них «загрязняя» звучание и получая «тот самый звук».
Я сам столкнулся с подобной штукой, когда экспериментировал со звучанием. Я просто напросто взял свой трек, записал его на обычную бобину, а потом снял это звучание и загнал снова в цифру. Результат меня мягко говоря удивил: конечно это будет очень пафосно сказано, но композиция сразу зазвучала в духе Portishhead, что меня весьма позабавило. Но это совершенно не означает, что вам нужно в срочном порядке доставать запыленные магнитофоны, или бежать в ближайшую комиссионку в поисках оных.
Итак, его величество — сатуратор!
Сатурацию можно разделить на 2 вида:
Ламповая — самая известная(вспоминайте сразу ламповые преампы). В ее основе лежит свойство ламповых усилителей вносить нелинейные искажения в исходный сигнал(добавлять некий «треск», гармоники). Например, известный всем гитаристам эффект Overdrive — это ничто иное, как очень насыщенная ламповая сатурация, а Distortion — полупроводниковая, которая формирует волны в виде прямоугольников изменяя исходную плавную волну.
Но не думайте, что любой из приборов имеющих в себе лампу обязательно будет нести в себе эффект сатурации. Ламповые микрофоны, например, имею в своей конструкции лампу лишь для того, чтобы свести к минимум любые искажения сигнала.
Уже после своего эксперимента, о котором писал выше, я понял для чего во многих крупных студиях звукозаписи имеются бобинные магнитофоны. Именно для этих целей. Но опять же не забываем — то, что стоит на студии Abbey Road, и то, что осталось вам в наследство от ваших родителей, дедушек, бабушек — это абсолютно разные вещи. Но для домашних экспериментов более чем подходит. Развлекайтесь на здоровье! =)
Трансформаторная — ну тут все гораздо проще: сигнал искажается проходя через обмотку трансформатора. Конечно, она меньше распространена, но при этом может дать интересный эффект при обработке звука.
Практика:
Ну с теорией мы вроде бы как разобрались, и теперь самое время опробовать на практике все эти дела. При использовании сатураторов пользуйтесь всего лишь одним простым правилом:
Вешайте сатуратор либо на канал инструмента, либо на мастер выход. Если повесите и туда и туда, то звук скорее всего будет слишком грязным и неприятным для слуха.
Что же обрабатывать сатуратором?
Бас-гитара:
Использование сатураторов на бас-гитаре придает в высокочастотном спектре гармоникам больше плотности, генерирует новые гармоники, что положительно сказывается на слышимости инструмента в общем миксе, но при этом стоит помнить, что при обработке сатуратором возможно придется пересмотреть эквализацию инструмента(если она была произведена ранее)
Вокал:
Данный совет больше подойдет любителям хард-рока, и рока в целом. Если в вашем миксе присутствуют перегруженные гитары, то вполне вероятно, что они забьют вокал, и его придется выводить громче, что может оторвать его от микса. В это плане — легкая сатурация может стать панацеей для вокальных партий.
Ну и здесь, я считаю, стоит дать список плагинов-сатураторов:
Waves tube saturator – лучший плагин, основанный на ламповой сатурации. Уровень сатурации регулируется ручкой Drive. Кроме того, имеется трех полосный эквалайзер, который можно отключить, поставив тумблер EQ в положение Off. Переключатель FAT, который отвечает за переключение между использованием плагина в режиме предусилителя или как усилителя мощности, на слух увеличивает звуковую атаку. Хочется так же отметить, что данный плагин очень прожорлив касательно процессорной можности, поэтому логично использовать его на только на мастере.
Ferric TDS. Бесплатный плагин, эмулирующий звучание магнитной ленты. Очень качественный, аккуратно обрабатывающий звук. Регулятор «Dynamics» осторожно выравнивает динамику трека. Ручка «Saturation» отвечает за уровень добавляемых гармоник в звуковой сигнал. Колесико «Limiting» контролирует уровень пиков на выходе.
Tessla Pro. Еще один бесплатный плагин, эмулирующий трансформаторную сатурацию.
URS Saturation Native. Превосходный плагин, содержащий множество пресетов, основанных на различных типах сатурации. Очень простой в обращении: есть только регуляторы уровней сигнала на входе и выходе, уровень сатурации, ползунок соотношение Dry Wet сигнала. Более десятка, эмулирующих звучание известных микрофонных и инструментальных британских и немецких предусилителей.
Источник: cubaseuser.blogspot.com
Очень важно правильно записать вокал, ведь порой он требует минимальных обработок, и никогда не стоит думать в таком ключе: «ничего, после обработки будет лучше». Здесь большое значение имеет звукозаписывающий тракт. Базовой можно назвать следующую схему: микрофон -> предусилитель/микшер со встроенным предусилителем/канальный тракт -> звуковой интерфейс.
Микрофоны
Микрофоны бывают разных типов, — динамические, конденсаторные, конденсаторные с ламповым предусилительным трактом (далее — ламповые), ленточные и другие, но самыми распространенными являются динамические и конденсаторные. Динамические больше подходят для живых выступлений, на студиях же звукозаписи чаще используются конденсаторные, или ламповые. В бюджетных студиях часто используются и динамические микрофоны, как для записи инструментов, так и для вокала. Кстати говоря, качественный динамический микрофон, порой дает лучшие результаты чем дешевый конденсаторник. Немного о ламповых микрофонах. По-мнению их обладателей, имеют свой характерный теплый ламповый окрас, но ввиду их очень большой стоимости, и перспективы износа лампы, они не имеют широкого распространения среди бюджетных студий.
Все типы конденсаторных микрофонов требуют питания, которое чаще всего осуществляется через схему называемую «фантомной». Фантомное питание осуществляется непосредственно через XLR-шнур, и зачастую равно +48 V. Конденсаторные микрофоны за счет своей более сильной чувствительности лучше передают все нюансы речи и пения. У конденсаторных микрофонов, на борту имеется своя собственная схема предусиления, будь-то транзисторная или ламповая, но тем не менее, аудио сигнал необходимо усилить. Это осуществляется при помощи предусилителей.
Предусилители
Часто они бывают встроены в звуковые платы или микшеры, но такой вариант, как правило, не устраивает профессиональных звукорежиссеров. Среди них большое распространение имеют так называемые канальные тракты (англ. — channel strip). Это, чаще всего выполненный в рэковом варианте, прибор для обработки голоса, включающий в себя предусилитель с фантомным питанием, блок динамической обработки, и другие блоки в зависимости от фирмы, модели и категории. Но следует отметить, что если вы не занимаетесь радиовещанием или концертной деятельностью, вам хватит классического предусилителя, без множества блоков обработки, исключением является наличие бортового компрессора, пусть даже с одним параметром — этого хватит для предварительной компрессии: чтобы не сильно понижать уровень записи, но при этом и не записывать перегрузы. Важно понимать, что записанный материал, подвергнутый предварительной обработке в тракте, нельзя вернуть в оригинальный вариант. Если сильно пережал, вряд ли удастся качественно вернуть динамику используя экспандер (или компандер) — компрессор, работающий в обратном направлении. Сигнал, превышающий уровень 0 dB, не распознается, и не оцифровывается АЦП звуковой карты, ведущей запись в 24-битном режиме (при любой частоте дискретизации). Поэтому, все, что превышает 0 dB, срезается, и поэтому разумно вести запись на «безопасной громкости» -6 -3 dB, либо использовать предварительный компрессор или лимитер, встроенный в предусилитель или канальный тракт, либо выполненный в отдельном блоке. Очень большое значение имеет звуковой интерфейс, производящий оцифровку аналогового сигнала.
Звуковые интерфейсы
В звуковом интерфейсе, самую важную роль играют АЦП/ЦАП преобразователи. Они отвечают за то, какого качество будет звук. Все остальные набортные схемы, несут опциональный характер. Современные звуковые платы, ведут запись в 24 бит, 96 кГц. Но это не является определяющим параметром, т.к. почти все более-менее «про» карты обладают этими параметрами. Само качество АЦП/ЦАП преобразования — элемент непосредственно влияющий на то, какой у вас будет звук. Поэтому никогда не стоит экономить на звуковой карте. Типов взаимодействия звуковых интерфейсов с персональным компьютером существует три — посредством usb-интерфейса, firewire, и pci-шины на материнской плате ПК. Наиболее предпочтительным интерфейсом среди профессионалов является firewire. В принципе, на качество звука интерфейс подключения никак не влияет, т.к. выполняет функцию передачи цифрового звука, который передается в виде сэмплов — маленьких кусочков цифрового потокового звука. Кол-во передающихся сэмплов в минуту называется длиной буфера. Чем меньше длина буфера, тем длиннее сэмплы, следовательно большая нагрузка на процессор, и при его перегрузке возникают так называемые щелчки — паузы между сэмплами, вследствие того что процессор не успевает их обработать. Увеличение длины буфера уменьшает нагрузку на процессор, но подводным камнем в данном случае является задержка (англ. — latency). Т.е. процессор работает как бы наперед, сначала обрабатывает сэмплы, а только потом передает их на ЦАП, в следствии этого возникает задержка. При работе со звуком в секвенсоре, задержка не особо мешает, но при игре вживую она является неприятным фактом. Возвращаясь к теме об интерфейсах подключения, следует отметить, что usb-шина имеет жесткое ограничение по скорости передачи и объему данных, что сказывается на времени задержки. Firewire и PCI-шина имеют более высокие пропускные способности. Некоторые звуковые карты имеют на борту DSP (Digital Signal Processor), микропроцессор, предназначенный для цифровой обработки сигналов. Плюсом наличия DSP, является то, что цифровой сигнал обрабатывается внутри микропроцессора звуковой карты, посредством встроенных алгоритмов, параметры которых задаются на специальных vst/dx плагинах, предназначенных для данной карты. Это существенно снижает нагрузку на ПК, позволяет в реальном времени подмешать, скажем, ревера на голос вокалиста, и прочее.
Запись
При записи большое значение имеет помещение, в котором она ведется. Хорошо заглушенная комната, будь то одеяла или ковры на стене, или современные звукопоглощающие и звукоизоляционные фирменные покрытия, очень сильно облегчит обработку голоса, сведя ее к разумному минимуму. Но абсолютно «глухая комната», если она вообще может теоретически существовать, даст очень сухой и мертвый звук. Из этого следует что любое помещение характерно «звучит», и это отнюдь не плохо, это также является своего рода обработкой. Записывать лучше всего при уровне -6 -3 dB, как уже было сказано выше. Некоторые мои начинающие коллеги, часто задаются вопросом, писать в моно или стерео?
Моно или стерео?
Итак, если у вас один микрофон, значит одна мембрана, то бишь сигнал моно. Будете вы его писать в моно или стерео режиме, разницы никакой нет. Разумнее будет писать в моно, ради элементарного экономия места на жестком диске, т.к. стерео запись это просто два абсолютно идентичных сигнала в левом и правом канале, отсюда — размер файла в два раза больше. Другое дело — запись со стереопары. Стереопара — два микрофона. Конечно, если вокалист один, какой толк от двух микрофонов спросите вы. Расположение микрофонов может быть разное, но идея заключается в том, что один из микрофонов «снимает комнату», т.е. пишет звучание помещения. Этот метод разумно использовать при записи различного вида академического пения, в больших залах, со своей уникальной акустикой. Также стереопарами пишут музыкальные инструменты.
Скрим, гроул, и просто крик
Запись громкого вокала — очень деликатный момент. Легко можно получить перегруз если не используется компрессор или лимитер, либо если используется — чрезмерно пережатый голос. Профессиональные вокалисты знают, что если они собираются перейти на скрим, то нужно слегка отдалиться от микрофона, в зависимости от мощности голоса. Тот же прием используется при живых выступлениях, вы наверное замечали как певцы отдаляют микрофон при громком исполнении, либо постепенно отдаляют имитируя затухание. Хотя очень часто рок-вокалисты пренебрегают этим, в случае если специально нужен эффект дисторшена. Как бы то ни было, если речь идет о студийной записи, разумнее записывать без перегрузов, т.к. любой эффект всегда можно добавить при пост-обработке.
Бэк-вокал, дабл-трэки, атмосфера
Чистый вокал, без всякого рода добавочных дорожек очень редко используется в современной музыке. Для легкого восприятия, типы добавочных дорожек можно разделить на бэк-вокал, дабл-трэк, и атмосферу. Бэк вокал (англ. — background vocal), как ясно из названия, является вокалом «заднего плана». Используется для подчеркивания конкретных слов, обычно исполняется одновременно с основным голосом. Бэк-вокал можно записывать в двух экземплярах (дабл-трэк), как можно более идентичных, для последующего распределения по панораме — в левый и правый канал. Этим решаются две задачи: предотвращение конфликтов с лидирующим голосом (который обычно находится в центре), и отдаление на задний план. Дабл-трэком (англ. — Double Track — Двойная Дорожка), прописывают лидирующий вокал или бэк-вокал. Двойным, тройным, или даже четверным трэком чаще всего записывается припев, для его выделения и подчеркивания. Различного вида голосовые эффекты — шепот, крик, речь на заднем плане и т.п. называют атмосферой, используется для создания атмосферы трэка, для передачи всех переживаний и эмоций. Здесь правил никаких почти нет — это дело фантазии артиста.
Обработка
Итак, голос записан, пришло время его предварительно обработать, для последующего сведения. Важно понимать, что человеческий голос в музыкальном произведении является таким же инструментом как гитара, пианино или орган. И если вы имеете проект инструментала, разумно будет обрабатывать голос непосредственно в проекте, нежели смешивать с готовым wav-файлом. Профессиональные продюсеры не редко используют такой метод: сначала вокал записывается на так называемую «рыбу» — обычно ритм-секция, без инструментального наполнения, скелет трэка, а уж затем, строят музыку вокруг голоса. Это помогает избегать конфликтов уже на стадии «зачатия». Очень часто инструменталы написаны таким образом, что голос туда уже ну никак не вписывается — огромное кол-во конфликтов, «забитая середина» это основные ошибки продюсеров. При таком раскладе приходится активно работать эквалайзером и мультибэндовым компрессором, освобождая спектр для вокала, при этом существенно страдает картина инструментала. Если же у вас имеется проект, это существенно облегчает задачу, подробнее об этом смотрите в разделе сведение.
Лидирующий вокал
Итак, начинаем обработку с лидирующего вокала. Многие сразу включают соло-режим, и допускают ошибку. Абсолютно неважно как звучит голос отдельно, важно то, как он звучит в миксе. Поэтому всю обработку и сведение желательно делать в миксе. Не редко бывает, что голос без пост-обработки и сведения звучит тихо, и когда вы работаете в миксе, очень тяжело улавливать какие-то изменения. Поэтому первое, что я делаю, это нормализую голос до 0 dB. Забавно, но иногда, в случае если голос в соло звучит чисто и прозрачно (если у вас очень хорошие и дорогие микрофон и внешние приборы), то большая часть так называемой обработки голоса сводится к освобождению спектра и избегания конфликтов в инструментале, за небольшим исключением. Но это отдельная тема, и про нее можно много писать, а в этой статье речь идет преимущественно о вокале. А что же делать, если мы не имеем проекта? В этом случае все проще. Можно просто слегка прибрать громкость инструментала, тем самым голос относительно минуса станет громче. Либо можно при помощи мультибендового компрессора поработать с серединой, как было описано выше. Итак, если голос теперь нормально слышно, значит можно начинать работать. Если в звукозаписывающем тракте вы не вырезали все что ниже 60 или 80 Гц — сделайте это. Очень редко встречаются люди, которые могут издавать звуки ниже 60 Гц. А если нет никакой разницы, зачем платить больше? Ниже 60 Гц может быть какой-нибудь посторонний шум — гул помещения, случайно задетая вокалистом стойка, и т.д. и т.п. В учебнике по физике за 10-й класс написано, что диапазону человеческого голоса соответствует интервал частот от 70 до 10 000 — 12 000 Гц. Ну, 12 000 это пожалуй не предел, но я смело режу все что от 16 000, поскольку в этом районе действительно ничего полезного нет, наоборот, чаще всего после границы в 16 000 Гц и до конца располагаются всякие артефакты речи. Далее, если не использовался внешний компрессор, то запись на осциллограмме наверняка выглядит очень неровно, самое опасное — сильные всплески громкости. Поэтому разумно провести предварительную компрессию, то что по идее делается на внешних блоках , еще перед тем как сигнал попадет на АЦП звуковой карты. Для чего это делать, я попытаюсь объяснить.
Предварительная компрессия
Цель предварительной компрессии — избавиться от сильных всплесков громкости, слегка пригладить картину осциллограммы. Целью предварительной компрессии не является уменьшить динамический диапазон и уплотнить запись, а всего лишь избавиться от резких скачков в громкости, которые впоследствии сильно испортят картину. Поэтому значение threshold небольшое (-4 -5 dB), так как мы не хотим «зацепить» ничего, что ниже средней громкости записи. Все что выше этого значения компрессор расценивает как слишком высокую громкость, и начинает работать. Ratio ставим больше, примерно от 5:1 до 10:1, чтобы компрессор не стеснялся понижать уровень, даже если придется понизить на 10 дБ, в зависимости от силы всплесков. Attack и release как можно меньше, чтобы компрессор успевал оперативно срабатывать. Обычно, только для этого и используются внешние компрессоры, за исключением того, если вы ведете радио эфир. Почему? Потому что как уже было сказано, вся обработка, выполненная на внешних блоках, не обратима, поэтому желательно и что немаловажно — удобнее, не делать никаких значительных обработок в тракте.
Эквализация
Если у вас хороший микрофон, с относительно ровной АЧХ, то эквализация практически не требуется, за исключением среза всего что ниже 60 — 80 Гц (если только это не битбокс). Рекомендую посмотреть АЧХ вашего микрофона в его паспорте или мануале. У некоторых микрофонов бывают подъемы на разных частотах. Иногда эти подъемы имеет смысл прибрать эквализацией, но в первую очередь слушайте как все звучит в миксе. Эквализация голоса это очень щекотливый момент, легко можно получить неестественный звук. Поэтому прежде чем эквализировать, задумайтесь, с какой целью вы собираетесь это делать. Добавить голосу прозрачности или теплоты можно другими способами. Один из них это сатурация.
Сатурация
Сатурация (англ. Saturation — Насыщенность) — процесс обогащения спектра гармониками. Но слух это можно определить как добавление звонкости, яркости, прозрачности. Сатуратор, как и эксайтер, добавляет новые гармоники, тем самым насыщая звук, в отличие от эквалайзера, который может только повысить громкость уже существующих. Для голоса, такой тип обработки, казалось бы, неприменим, т.к. происходит значительное изменение звука, и тем самым мы теряем естественность. Но, спешу отметить, что многие микрофоны имеют свой характерный звук, так называемое «подкрашивание», которое вносится на предусилительной схеме микрофона, что в какой-то степени делает и сатуратор. Ту же функцию выполняют и ламповые предусилители и внешние эксайтеры на канальных трактах. Поэтому я считаю разумным использовать сатуратор, если звук после этого становится лучше. Каким образом делать сатурацию? Насколько сильно подмешивать? Каким плагином пользоваться? Я попытаюсь ответить на эти вопросы. Начнем с плагинов. Их может существовать большое количество, разных фирм и с разными названиями. Но что у всех сатураторов общее — это две полосы — низкочастотные и высокочастотные гармоники. Например, рассмотрим плагин от фирмы PSP — MixSaturator. Сразу обратим внимание на две секции — bass и treble, и на их параметры. Freq — выбор частоты на которой будет происходить сатурация. Следует отметить, что сатурация происходит не только на этой конкретной частоте, а как бы в ее районе, на подобии параметрического эквалайзера, у которого всегда существует ширина полосы. Вторая ручка warmth на секции bass, и compress на treble, выполняют одну и ту же функцию — компрессируют сатурированный сигнал. Чем больше — тем плотнее сатурация. Adjust — громкость сатурированного сигнала. Сатурацию лучше делать на слух, каких-то популярных настроек я приводить не буду, т.к. для каждого голоса и стиля исполнения они свои. Единственное — могу дать совет как легче подобрать настройки: слегка добавьте adjust, т.е. повысьте уровень сатурации, чтобы ее стало лучше слышно, затем медленно пройдитесь по всему спектру крутя ручку freq, пока не найдете самую оптимальную частоту, затем потихоньку прибавляйте warmth или compress в зависимости от полосы. Процесс сатурации является психоакустическим эффектом, и предназначен в большей степени для баса, и других инструментов, и в меньшей степени для голоса. Поэтому использование сатуратора или эксайтера для голоса не всегда приемлемо. Но, как уже было сказано, если звук после его использования становится лучше, то почему бы собственно и нет?
Компрессия
Компрессия… Как много в этом слове. Пожалуй, это самое гениальное, и самое спорное изобретение в мире музыки. Без него сейчас ничто не обходится, даже совсем еще зеленые продюсеры, не знающие, для чего он нужен и как работает, все равно обязательно включают его в цепь, чисто для галочки, потому что так все делают. Существуют также противники компрессии, они в своем сведении отказываются от применения компрессора, своеобразная музыкальная акция протеста, либо просто попытка выделиться. Так что же делает компрессор? Компрессия — процесс, при котором компрессор компрессирует звук. А если быть точнее, работу компрессора можно описать следующим образом. Если уровень звука, поступающий на вход компрессора превышает пороговое значение, которое устанавливается пользователем (threshold), то компрессор в этот момент срабатывает, и понижает громкость сигнала с силой равной степени компрессии (ratio). То, с какой скоростью сработает компрессор, и как скоро он вернет изначальный уровень громкости, напрямую зависит от значений атаки и релиза (attack, release) соответственно. Например, установки компрессора следующие: threshold: -4dB, ratio: 3:1, attack: 5 ms, release: 20 ms. Итак, на вход компрессора подается сигнал, который в какой-то момент превышает уровень -4dB, и компрессор срабатывает. Если сигнал равен -1 dB (т.е. превышает порог на 3 dB), то компрессор понизит громкость до 1 dB, соответственно значению ratio. Компрессор начнет работать немедленно после того как будет зарегистрировано превышение порога, и в течении 5 миллисекунд будет понижать уровень. После того как входящий сигнал перестанет превышать порог, компрессор вернет громкость в изначальное положение в течении 20 миллисекунд. Все эти процессы происходят очень быстро (представьте себе, что вы можете сделать за 5 миллисекунд?), и при недостатке опыта очень трудноуловимы человеческому уху. Но с опытом вы начнете слышать компрессию. Но как же делать компрессию голоса? Самое глупое, что я слышал было: «Компрессировать надо так, чтобы даже если ты очень тихо шепчешь, было слышно также громко, как если бы ты кричал». В жизни так не бывает! Конечно, из обработки голоса много чего в жизни не бывает, но главная задача звукорежиссера при обработке голоса — это сделать все манипуляции как можно менее заметными и как можно более естественными. Голос это тот звук, который мы слышим чаще всего в своей жизни. Мы без труда узнаем по телефону своих друзей, замечаем изменения в их голосе если они простудились, чувствуем их настроение, волнение, уверенность и т.д. и т.п. Поэтому любые изменения голоса при обработке очень легко заметны, и при злоупотреблении эффектами голос звучит неестественно, и мы не воспринимаем его как человеческий голос вообще. Т.е. мы конечно знаем что это поет человек, но наше подсознание отвергает его, поэтому портится общее впечатление от трэка в целом. Поэтому идеальную компрессию нужно делать так, чтобы ее не было заметно. Можно использовать такой метод: делаем легкую компрессию при большом значении threshold, когда явно слышно как работает компрессор, настраиваем attack/release, ratio, затем медленно поднимаем threshold до того момента когда компрессии уже почти не слышно, при этом судя по индикаторам — она происходит.
Максимизация
Максимизация — повышение общей громкости при мастеринге. Принцип работы максимайзера очень схож с компрессором. Максимайзер является прибором динамической обработки, и состоит из лимитера и простого усилителя сигнала. Лимитер — тот же компрессор, но в отличии от компрессора, задача лимитера — избежать клиппинга, т.е. превышение уровня сигнала значения 0 dB. Простой лимитер устроен так: порог лимитера обычно 0dB, ratio бесконечность:1 (то есть каким бы по мощности не был уровень сигнала, лимитер понизит его до значения 0dB, все что ниже — лимитер не тронет), атака и релиз у лимитера минимально возможные, поскольку для лимитера важно немедленно предотвратить превышения порога, и так же немедленно вернуться изначальное положение, дабы избежать искажения фонограммы. Т.е. проще говоря, максимайзер это тот же лимитер, только с финальным усилением сигнала. Из этого можно сделать вывод, что задача максимайзера — повышение уровня сигнала до максимально возможного значения (без значительного искажения звука). Одно из отличий максимайзера от лимитера в том, что многие максимайзеры имеют функцию «заглядывания вперед» (look-ahead). Она заключается в том, что максимайзер следит за тем, какой будет уровень сигнала за некоторое время вперед, чтобы избежать прохождения порога, резкого всплеска уровня, поэтому вносится небольшая задержка. Но ведь можно просто поставить низкое значение атаки на лимитере, скажите вы. Да, но очень резкое понижение уровня слышится как некий разлом, про него часто говорят как искаженный или пережатый звук. А при «заглядывании вперед» максимайзер заранее плавно начинает понижать уровень, избегая тем самым разломов. Итак, зачем же применять максимизацию для голоса, тем более, когда он уже компрессирован? Есть простая причина этому. Компрессор сужает динамический диапазон, делает громкие звуки тише, а тихие громче, так? После компрессии, иногда голос звучит не достаточно громко по сравнению с фонограммой. Повышение плотности компресии может решить эту проблему, но не стоит жертвовать динамикой ради громкости. Для этого и есть максимайзер. Чтобы повысить уровень до максимально возможного, не внося значительных изменений в динамику.
Реверберация и дилэй
Реверберация
Думаю, все знают, что такое реверберация — многочисленные повторения звука отраженные от окружающих предметов, но не путайте реверберацию с дилэем. В принципе, реверберация и дилэй это одно, и тоже, разница только во времени между повторениями, и их количестве. При реверберации число повторений очень велико, и промежутки времени между ними ничтожно малы, поэтому звук как бы «смазывается». При дилэе, число повторений невелико, и промежутки времени намного больше. В природе мы не слышим звуки без реверберации и незначительного дилэя. Эти явления есть почти всегда, за исключением студийных помещений, где стены покрыты звукопоглощающими материалами. Но эти условия являются неестественными, так сказать лабораторными. Поэтому на голос, да и на все звуки, желательно всегда применять реверберацию, и иногда дилэй. Реверберация для голоса всегда подбирается на слух, и в зависимости от стиля, характера исполнения и от многих других факторов. Чем больше реверберация, тем дальше воспринимается источник звука на слух. Давайте рассмотрим основные параметры реверберации. У разных приборов реверберации бывают разные параметры, но есть основные, которые почти всегда присутствуют в любом ревербераторе. Начнем с типов помещения. В разных ревербераторах, бывают разные типы помещений, но самые основные это hall (зал) — имитация большого помещения; room (комната) — небольшого помещения; live (сцена) — имитация сцены, хорошо подходит для солирующих инструментов, а также для голоса, если он является приоритетным инструментом в произведении; plate (пластина) — имитация имитации реверберации (металлические пластины подвешенные под напряжением), как ни странно очень хорошо подходят для голоса, т.к. имеют плоский и линейный звук; chamber (эхо-камера) — еще одна имитация имитации, комната в которой на стенах располагаются различные отражающие материалы; gate — резко прерывающаяся реверберация, хорошо подходит для барабанов; reverse — дает интересный эффект реверса. Каждый тип помещения имеет свои характеристики соответственно названиям. Но применительно к вокалу больше всего подходит plate, иногда live или hall. Реверс дает очень интересный эффект, который часто применяют в фильмах, и иногда в музыке. Это когда реверберация инвертирована, а основной сигнал остается неизменным. Эффектно смотрится перед началом вокальной партии, голос как бы плавно появляется. Такого же эффекта можно добиться инвертировав исходный сигнал, применить к нему обычную реверберацию, и развернуть обратно. Исходный сигнал идет в правильном направлении, а вот реверберация задом наперед. Параметры реверберации обычно не вызывают непониманий, но можно описать самые основные. Dry/wet — соотношение эффекта и сухого звука, diffusion — растворение, расплывчатость реверберации, early reflection level/predelay — ранние отражения звука, high cut/low cut — срез высоких или низких частот (разные материалы имеют разные коофициенты поглощения тех или иных частот, срез высоких частот отдаляет звук на задний план), reverb time — время затухания реверба, size — объем помещения. Интересный эффект дает применение двойной реверберации одновременно — с небольшим и в 2 раза большим временем затухания (например plate + hall).
Дилэй
Дилэй, как реверб, имитирует отражения звука, но в естественных условиях дилэй встречается реже чем реверб, поэтому и применяют его для голоса реже чем для инструментов. Область применения дилэя — подчеркивания конкретных слов или фраз, бэк-вокал, дабл трэки и т.д. Основные настройки дилэя это соотношение dry/wet, feedback — затухание повторений, time — время между повторениями. Обычно время между повторениями всегда задается в соответствии с темпом проекта, за редкими исключениями, иначе повторения начинают диссонировать и сбивают с темпа. Интерессных результатов можно добиться стереопанорамированием дилэя, обработкой повторений различными фильтрами и эффектами.
Бэк-вокал
Также как и лидирующий, бэк-вокал и дабл-трэки подвергаются динамической обработке. В большинстве случаев она аналогична лидирующему, за исключением плотности компрессии, которую можно повысить для более подчеркнутого звучания. В отличии же от лидирующего, бэк-вокал, является вокалом заднего плана, поэтому его всячески отдаляют — будь то повышение уровня реверберации, или же небольшой срез высоких частот. Также на бэк-вокал можно добавить побольше дилэя. Если бэк-вокал исполняет тот же артист, что и лидирующий, то в этом случае могут возникнуть частотные конфликты, попросту говоря дорожки, тонут друг в друге. Вообще, частотные конфликты решаются разными способами — эквализацией, многополосной компрессией, но в случае с голосом, наиболее подходящим считаю панорамирование. Если бэк-вокал записан в двух дублях, то самым простым способом устранить конфликты будет распределить две дорожки по панораме — одну в правый, а другую в левый каналы. В случае, когда бэк-вокал записан в одном экзэмпляре, можно воспользоваться стерерасширителем. К примеру Waves Doubler, очень хорошо справляется с этой функцией. Он создает несколько копий исходного сигнала, вносит между ними небольшую задержку (т.е. каждая копия чуть-чуть запаздывает) и распределяет их по панораме. Также возможна коррекция питча, и частотная фильтрация. Чем больше отличаются копии друг от друга, тем объемнее звучит конечный результат. Если же просто скопировать исходный сигнал без изменений и развести по панораме, то произойдет просто увеличение громкости в два раза.
Сведение
Итак, после того как все голосовые дорожки обработаны можно приступать к сведению. В принципе, если вся обработка происходила в режиме микса, то основная работа по сведению уже выполнена. Т.е. голос уже должен звучать четко и прозрачно. Единственно, что может происходить это перекрытия спектров, или так называемые частотные конфликты. Любая электронная или живая музыка всегда стремится передать, как можно больше реалистичности и живости игры. Поэтому представьте себе живое выступление группы, в котором вокалист стоит по центру, а прямо за ним гитарист, барабанщик, и клавишник. Странная ситуация, не правда ли? Обычно все музыканты располагаются по сцене каждый на своем месте, и никто никого не перекрывает. Тоже самое происходит и в электронной музыке, когда инструменты неправильно панорамированы. Поэтому при сведении, полезно представить себе живое выступление, и предположить где будет находиться тот или иной инструмент (музыкант с инструментом). Проведя простое панорамирование, можно решить почти все конфликты. Вокалист обычно находится в центре, барабанщик прямо за ним, все остальное по бокам. Зная два простых правила, о панорамировании и о том, что тем глубже реверберация, чем дальше находится инструмент, можно построить трехмерную картину расположения музыкантов на сцене. После такой обработки музыка кажется очень живой и реалистичной. Иногда бывают ситуации, когда частотный диапазон, в котором звучит голос, сильно забит инструментами, и панорамирование не до конца решает проблему. В этом случае можно поступить таким образом: у инструментов, которые играют в среднем диапазоне, слегка (1-2 dB) вырезать частоты которые могут конфликтовать с голосом — в районе 600 — 700 Гц. Также можно слегка прибрать их громкости, но для того чтобы не потерять картину инструментала — компенсировать понижение громкости более плотной компрессией. При этом желательно вообще не трогать ритм и бас.
Часто неопытные звукорежиссеры спрашивают как сделать голос как у того или иного исполнителя. Они считают, что есть какой-то секрет в его обработке. И правда, порой приходится удивляться чистоте и приятному тембру голоса исполнителя. Но это, ни что иное как его собственный натренированный голос, грамотная работа с бэк-вокалом, дабл-трэки и т.д. Обработка здесь ни при чем, и никакого секрета нет. Удачи вам!
Источник: PromoDJ.com